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Author Topic: Jk 舞 人 講 舞 蹈 及 {舞 蹈 家}  (Read 75627 times)
伊莎貝拉 (標媽)
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伊莎貝拉 (標媽)


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« Reply #120 on: 07-05-2007, 06:00 PM »

h蒙古族舞蹈的天性就是大自然

  蒙族人在漫長的遊牧生活中,形成了獨特深邃的遊牧文明,集中表現在世界觀、價值觀、美學觀等方面。除了對綠色視爲“生命之根”這一生態文明之外,對英雄和 英雄業績的崇尚也是它主要組成部分。他們崇拜英雄、塑造英雄也是首屈一指的。
  蒙古族舞蹈的天性就是和大自然同生存共發展。“人化的自然”的審美意識,即人的創造性。所謂“創造”,是人的本質力量的勃發和外化。是人對自然的審美感 受、領悟、把握與再現。不同的自然有不同的感受,蒙古草原地域遼闊,文化自然各有差異。我們的舞蹈作品如若彼此互相模仿、“千人一面”,惟獨沒有“就我這 一個”的藝術創作規律,那將是我們民族舞蹈的“悲哀”。
 
   
  我們應該有遊牧民族博大的胸懷。在蒙古族舞蹈寬泛的前提下包容一切流派,互動互補,各領風騷。使我們民族的舞蹈園地呈現百花迎春的繁榮景象,並像江河大海般源遠流長。
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« Reply #121 on: 08-05-2007, 11:27 AM »

法感受課的核心是身體
 Smiley我認爲身體技法感受課的核心是身體。對於身體的感受,體會最深的就是對於身體的重新認識,而之前我對身體的感受主要來源於古典舞對呼吸的理解。呼吸一般 又叫做氣息,通常認爲中國古典舞身韻中的氣息並不僅僅是人的生理呼吸,更重要的是一種身體的呼吸。身體的一松一緊、一快一慢、一張一弛等都屬於身體呼吸的 範疇,因此身體的呼吸本身就包含了時間、空間、力量等因素,其中最主要的是人這個主體的身體意識。意識先行,帶動力量從丹田開始發力,逐步帶動到身體的各 個關節,以繼續延伸或突然停頓等産生身體各個關節的配合運動。配合的恰當就會産生出身體的韻律感,這個配合的過程就叫做氣息,這在中國古典舞身韻中一直是 貫穿著的。身體技法感受課對呼吸的要求似乎與身韻中的呼吸有相同之處,但是更加強調生理呼吸的參與配合,強調陰陽的轉換。比如:出手的一個陽性的發力動 作,在出去的一霎那身體的感受就要立刻轉爲陰性的,在一個動作中同時包含了陰和陽的關係,這在以前的訓練中是沒有細化到如此程度的。另外,由於注重身體內 部的感受,所以組合也區別于傳統中從外部形態到內心的訓練方式,而更強調內部陰陽的關係,即動作與動作之間的關係,而所有的組合又都是爲訓練內部關係服務的。
   
   對於空間來說,分爲內空間和外空間,這種劃分是人對空間的感受而言的,主要是人體內心引領身體對空間的伸縮性訓練,達到收放自如的狀態。我認爲,重新感受身體的“說話能力”是身體感受的核心。
   
   在身體技法感受課中,針對身體的感受進行即興,主要目的是發掘人的潛意識,其中一些內容對編舞是有用的。即興本身就是一種舞蹈,在長時間的即興時,單純感 受身體的力量流動,就會進入一種愉悅的狀態,尤其在做雙人即興時更能感覺到身體表達的豐富性和自如性,兩個人似乎用身體的各種變化進行交流。這會産生很多 好的形式,但也會出現一些不曾預料的可能性。有意味的形式就是內容,身體技法感受課的核心就是不斷開發有意味的形式。舞蹈的形式就是動 作,動作要靠身體,對身體的感受在某種意義上講就是對舞蹈形式的感受,形式和內容是不可分割的,其實這就是編舞。只是這種編舞是隨意的,無目的性的。
   
   對於技法感受課當然還有一些問題,比如長時間的即興會感受到身體在說話,可是這種感受是模糊的,感覺不到具體可感的技法,而在真正編舞時,總是需要比較准 確的表達。如何才能把這種模糊的感覺轉化成準確的表達,還需要在今後的創作實踐中認真體會。另外,在編舞時,有時是動作先行,根據動作形式來確定主題,有時是主題先行,根據主題找動作形式。技法感受課主要強調動作,那是否在編舞時應強調動作先行?如果強調了又如何根據動作找主題?如果強調主題先行,又是如 何根據主題找動作的?因此,力度的把握十分關鍵。
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« Reply #122 on: 11-05-2007, 11:06 PM »

什麽是古典舞?
 
 h古典舞是各地區、國家或民族具有典範意義和獨特風格的傳統舞蹈。 它主要特徵是:規範化的舞蹈技藝,程式化的表現手法,嚴謹的訓練體系和相對穩定的美學法則;具有地區、國家或民族舞蹈的代表性、傳統性和典範性。
 
 
 d它在形成過程中,吸取了本地區、國家、民族諸多藝術因素,如民間舞蹈、手語、武術雜技和古代壁畫、雕塑中的舞蹈造型;此外,還受到本地區、國 家、民族的風俗禮儀、傳統審美趣味甚至哲學思想的影響。然而古典舞蹈並非一成不變,它隨著社會的發展和審美趣味的變化而發展、而變化。歐洲古典舞一般指芭蕾。
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« Reply #123 on: 12-05-2007, 06:14 PM »

怎樣欣賞現代舞
   第一:確立現代人應有的健康心態,勇於接受各種新事物,並且真正樂於迎接甚至尋找各種新挑戰的現代人,既不要以行家堣潀菮~,也不要以門外漢態度自暴自棄。現代舞的最高宗旨便是標新立異和嚴肅探索。


第二:從創作者的心態出發,把握現代舞的十大基本特點:
(1)現代舞的生活觀是寬容大度,樂觀向上,隨遇而安;它的藝術觀是求同存異,“八仙過海,各顯神通”。美國現代舞第三代大師默斯-堪甯漢曾說過:“如果你不喜歡別人的作品,那就編一個自己喜歡的好了。”
(2)量的概念在現代舞中是第一位的。格萊姆的“巨匠”桂冠應該說,是由無人匹敵的180部舞劇和舞蹈構築起來的。她的同窗也曾指出:“你想編一個出色的舞蹈嗎?那麽,先編出100個糟糕的再說吧!”
(3)美的概念在現代舞中早已不是唯一的追求;而在現代美學中,美更不是至高無上的概念。因此,美或者不美,不應是衡量現代舞作品高低的唯一尺規; 格萊姆初出茅廬時,她那帶棱帶角,更帶著對即將到來的新時代之敏感的抽搐動作,曾被報界辱駡成“要麽是癲癇突然發作,要麽是分娩迫在眉睫”。但是幾十年之 後,當整個世界都在運用她那痙攣性的表情方式之時,她的“收縮-放鬆”(Constraction-Release)動作原理則被當做是新時代的號角和新 美學的代表了。(dancelover編外話:做過新東方指定TOEFL閱讀理解題的人應該對格萊姆的舉例不陌生)
(4)新與舊的概念在現代舞中不是絕對的是非關係。儘管新的不一定總比舊的好,但新的每每比舊的更有趣,更能喚起人們的注意。
(5)對現代舞作品,應該盡力避免是非曲直的判斷,尤其是在看遠離傳統觀念的後現代舞時更應如此。舞蹈是離經濟基礎和意識形態距離較遠的審美學,而不是倫理學。
(6)對現代舞作品,尤其是對那種以實驗爲目的的新作品,包括學生的習作,最好不做價值高低的判斷,而應以竭力挖掘其創造的潛力,理解其創造的動機爲根本宗旨。
(7)一切舞蹈創作歸根結底,都是在有意無意地探索“舞蹈是什麽?”這樣一個哲學和美學命題。
(8)可舞性這個在古典舞中地嚴重問題,在現代舞中完全不成立,因爲現代舞的概念如此寬泛,因爲大自然在現代舞者的眼媯L一不是在跳舞,因爲人的每 種行爲和每個動作無一不是在跳舞。美國現代舞第三代大師保羅-泰勒說:“我們缺少的不是動作,而是發現那些能爲自己的目的出色服務的動作的眼睛。”
(9)思想性和哲理性一直是現代舞蹈家的重要特徵之一。而不再是那種只會模仿,而不思創造的藝人和匠人。
(10)有必要弄清現代舞的宗旨是大膽的實驗和嚴肅的探索,而不是廉價的討好或技術的炫耀。
第三:在欣賞實踐上,要盡力多看現代舞,首先使用自己生而有之的六種感覺(視覺,聽覺,嗅覺,味覺,觸覺和動覺)全身心地感受作品,然後再去進行理性地思考,最後才去閱讀節目單上的種種文字說明。
第四:儘量不要帶者任何期待去看現代舞,特別是不要使勁兒地鑽牛角尖兒,更不要指望自己能在這種作品中被“典型環境下典型人物的典型性格”刺激得熱 淚盈眶,而應該沈下心來,靜靜地欣賞各種幾何圖形的三維動態變化,發現新穎別致的動作造型,捕捉巧妙編排的連接過渡,接受人體潛能經過訓練和開發後的巨大 可能,隨時準備迎接一切嶄新的刺激和挑戰。
第五:應該抛棄票價和座位等級概念,所有的座位,尤其是那些並非傳統意義上的“好”座位,均能爲你帶來意外的驚喜。
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« Reply #124 on: 13-05-2007, 09:03 PM »

學院派舞者——沈培藝

  沈培藝,國家一級演員,總政歌舞團一級演員,中國舞蹈家協會會員,中國舞蹈家協會表演藝術委員會委員,國家政府特殊津貼享受者。
  沈培藝曾畢業於北京舞蹈學院,在高等學府深造八年,具有全面的舞蹈藝術專業理論知識和出色的表演技藝,對中國古典舞和中國民間舞的語彙 十分精通,運用自如,並善於吸收中外舞蹈藝術之精華豐富自己的表演,因而能夠準確塑造人物的鮮明形象,賦予人物以深刻的內涵。被譽爲“中國舞蹈學院派代 表”。她曾先後出演過雙人舞《新婚別》、《蛇舞》、雙人舞劇《梁山伯與祝英台》、東北民間舞蹈劇《好大的風》、舞劇《鳴鳳之死》、《密林中的故事》、《太 陽雨》、《梅娘》等。沈培藝曾在《軍魂》、《國魂》、《光明贊》等大型電視晚會中擔任主要演員,還自編自演過不少舞蹈作品,其中獨舞《儷人行》、群舞《波 動》,都曾獲各界專家學者與同行的讚賞。
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« Reply #125 on: 14-05-2007, 07:15 PM »

西班牙伊娃弗拉明戈舞蹈團演出《伊娃》 
《伊 娃》於1998年在Seville雙年會上首演。這部演出完美地結合了歌曲、音樂和舞蹈,從而帶領觀衆踏上欣賞最著名的幾種佛拉明哥舞蹈形式的旅程。 構思爲一個佛拉明哥舞蹈演員的覺醒之夢,《伊娃》的第一段獨舞granaína表現了一個受傳統女性思想束縛的女人的壓抑的情感。她的舞蹈服裝——一件曳 長的覆蓋下半身的緊身衣突出了這種束縛,讓軀幹來表現情感。下一段獨舞是佛拉明哥舞蹈形式中最主要的一種——soleá抒發了一個女人在尋找獨立的過程中 的壓抑、恐懼和憤怒。這個夢的結束是以群舞演出佛拉明哥舞蹈最傳統的舞蹈形式tangos而接近尾聲,表現了舞者剛獲得的自由和獨立。 夢的結束,舞者重新睡去,進入未來世界的神秘和不測。   2005年5月8日,《伊娃》將於世紀劇院演出。   西班牙伊娃佛拉明哥舞蹈團    

   
  
個人簡歷    
   伊娃生於1970年,12歲開始學習舞蹈,師從Enrique “El Canastero”, Angustillas “La Mona”和偉大的佛拉明哥舞蹈家Mario Maya。她的天才很快就被發現,並且得到獎學金在Seville學習古典舞蹈和戲劇藝術,受到了Juan Furest和 Jesús Domínguez的指導。在古巴跟隨Joanes García學習了一段時間的舞蹈編排後,她回到了西班牙。1985年她加入了Rafael Aguilar佛拉明哥芭蕾舞團。
   
   
  1987年,她與Paco Moyano的舞蹈團合作了三部製作:Ausencia, A tomar café 和De Leyenda.1990年,她開始自己的獨舞演出,並且與許多著名的佛拉明哥舞蹈家合作過。她與Manolete在Amor Brujo中演出過,與Merche Esmeralda在Mujeres中演出過,與Joaquín Cortés在Jóvenes Flamencos中演出過,還與Javier Barón在她自己的演出Flamenco中共同在紐約的Día de la Hispanidad Gala演出。在與Javier Latorre合作了許多獲獎的演出後,她也與建立了長期的工作關係和友誼。    
   
 
  伊娃的工作還涉及到其他舞蹈甚至其他藝術種類。1997年她與Mike Figgis主演了記錄片《佛拉明哥女人》——一部突破性的關於佛拉明哥女舞蹈家的電影。1998年,作爲舞蹈演員和舞蹈編排,她開始與西班牙國家芭蕾舞 團(Ballet Nacional de España (BNE))合作。另外她還成立了自己的舞蹈公司,並且把她第一部整劇製作《伊娃》在Seville的第十屆佛拉明哥雙年會上推出,受到了極大的稱讚。同 年10年,她受Pina Bausch邀請到伍珀塔爾舞蹈劇場參加該團的25周年慶典演出。   
   
   1999年,Carolyn Carlson委託伊娃爲威尼斯雙年會創作並主演了一個新的作品。之後伊娃又受邀與其他藝術家合作了許多專案,並且把她自己的公司結合起來進行巡演。   1999底,Flamenco Hoy頒發給伊娃“年度最佳舞蹈家獎”。   2000年8月,伊娃受邀在漢諾威展覽會開幕式上演出。她的新劇5 Mujeres 5在漢諾威受到了熱烈的歡迎,後來在塞維爾第十一屆佛拉明哥雙年會上贏得了“評論家最佳演出獎”,伊娃還獲得最佳舞蹈演員獎。    
   
  2001年,她出演了Mike Figgis執導的最新電影《旅館》(2001年8月首演),一同演出的還有John Malkovich, Burt Reynolds, Salma Hayek, Ornella Mutti, Chiara Mastroianni和Julian Sands。   接下來的一年,伊娃獲得了Flamenco Hoy頒發的年度最佳舞蹈演員獎,以及最佳舞蹈團獎。同年,伊娃受委託爲Compañía Andaluza de Danza創作了一部新作品,也就是廣受稱讚的Dharma。  
   
 2001年7月,伊娃在倫敦Barbican劇場首次演出一場。10月,她再次應邀參加Pina Bausch的伍珀塔爾舞蹈劇場的節目,包括Ana Laguna和Sylvie Guillem。接下來她繼續在西班牙巡演5 Mujeres 5,之後到義大利,法國和墨西哥演出。   
   
12月,伊娃獲得了西班牙最權威的舞蹈大獎—Premio Nacional de Danza 2001。   
2002年3月,伊娃獲得了舞蹈評論家特別舞蹈獎。   
2002年7月,伊娃和她的舞蹈團在倫敦Sadler’s Wells演出。這次演出贏得了Time Out頒發的2002年度最佳演出獎。   
2002年10月,伊娃在Seville的第十二屆佛拉明哥雙年會上首演了最新劇目La voz del silencio,她因此獲得了雙年會最佳舞蹈家和最佳演員獎。    
   
  2003年,伊娃佛拉明哥舞蹈團在歐洲最有名的劇場和藝術節上演出,例如,Theatre de la Ville, Theatre Chaillot, The Woking Dance Festival, Ross-on-Wye International Festival, the Bergen Festival, Norway和the Festival of Palermo, Italy。她還在拉丁美洲進行廣泛的演出活動。     
   
2004年2月/3月,該團在美國西海岸進行了兩周的巡演。接下來的計劃包括在西班牙巡演,主要的國際夏季藝術節,佛拉明哥雙年會,與Ana Laguna, Silvye Guillem, Vladimir Malokhov等一起參加Pina Bausch的Wuppertal藝術節。
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« Reply #126 on: 23-05-2007, 11:24 AM »

雙人舞的技法:
一、點:點是指在出現動作中使用(在實驗過程中出現)點,如一人點另一人,而另一人處於被動沒有主動感。這是尋找動作的方法也是初學編導找動作用的技巧。它能使你看見(出現)意想不到的動作。
二、套:指用一種動作圍住一個人,讓他(她)尋找空間脫離別人的圓圈,這也是技法之一。在練習中點和套可以互相利用就可使動作連續。在開始時會出現去找前的動作而不去做背的動作,做出來會給人更新穎的感覺。
三、鏡子:指兩個人的動作完全相反象照鏡子一樣(一鏡內人一個鏡外人)它的餓動作有前、後、左、右;空中、地上的空間(也就是兩個人一個人做動作另一個人 做反方向的動作)把這些技法用在舞蹈上要用內容去套和貫穿。否則就是遊戲而不是舞蹈,就是在運用上不能爲技法而技法
四、影子:是一個比較抽象性的餓技法。它的方法能形成高低之分給人視覺上出奇不意的樣子。舞蹈中的技法是虛實相生的。它可以是生活中真實的和誇張的。這樣能出現三維空間。
雙人舞技法二:
一、背對背:兩人貼著背往各個方向同時運動這個技法難度比較大、多。用於同性雙人舞
二、手和肩:這個技法比較常用和點的方式相同空間的範圍大、多,用於牽引上。
三、腳和腳:也比較常用。多用於男女雙人舞上。如兩人躺下雙腳擡起90度然後進行一系列的運用。它主要是不同於手。腳下的動作做 出來比較新鮮,國外一般腳下比較活躍,國內一般注重上身。
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« Reply #127 on: 28-05-2007, 09:49 AM »

如何编舞呢?
(一)主題和題材:什麽是主題?創作者要通過 一個舞蹈作品表達什麽中心思想,這就是作品的主題(或稱主題思想)。用具體事物、生活情景去表現這個主題思想,這種具體的材料就是“題材”。“主題”就是 作品的核心、主體。題材就是具體描寫主題的材料。在舞蹈創作中可以先確定主題,再選擇題材。
(二) 如何選擇題材: 1 什麽是題材:就是編導在他所處的客觀現實生活中,經過深入觀察體驗,把那些豐富多采錯綜複雜的種種生活現象,經過分析、選擇、加工,使它們構成文藝作品的 核心,也是作品最基本的因素。 2 選材的方式:分直接和間接兩種。直接就是發生在身邊的所見所聞所看的事和物。間接的如歷史、神話、寓言、童話、繪畫題材等。 3 舞蹈如何選材:要掌握舞蹈藝術創作的特殊規律,就是用舞蹈形象思維的方式,研究分析現實生活中的各種現象,全部依靠舞蹈的自身表現手段,既用身體動作表達 感情,特別要注意題材的動感和豐富的感情。選材時還應注意:動作性,既通常所說的“能舞起來的材料”。抒情性,題材要孕育著深厚的感情動力。直觀性,必須 是能出現在舞臺上讓觀衆直接看到或聽到的,(如過去和未來,可用暗轉、倒敍等手法)
(三) 構思腳本(舞蹈和音樂處理的文字結構),以突出主題思想爲目的,把“題材”概括、提煉,構思成舞蹈的藝術結構,這就是舞蹈的“腳本”,腳本是作品的立腳根 本。怎樣結構舞蹈腳本,這點在舞劇的創作中特別重要,從舞劇的結構說起,簡單來說,舞劇的結構可分爲:1 引子或序幕:是劇中時代、環境和人物的引入。2 開篇:劇情矛盾衝突的開始,要鮮明而引人入勝。3 發展:劇情展開的過程,這段佔有的篇幅較大,情節需要有起伏、轉折方能精彩。4 高潮:是全劇矛盾發展的頂峰,它要激起觀衆最強烈的感受。5 結局:劇情發展的結果,它要最清楚的揭示主題思想。
三.舞蹈的結構
 h(一)什麽是結構:簡單說安排作品情節的方法就叫結構。結構舞蹈時,時刻不要忘記用舞蹈的表現手段去考慮,時刻不要忘記是用藝術形式的表現手段和舞蹈動作去處理人物、情節等,否則結構出來的就不是舞蹈,而是歌劇、話劇。
 Smiley(二) 結構情緒舞時應注意的問題: A、組織情緒:是把舞蹈感情和情緒有層次的、有邏輯的、有發展的組織起來,創作一個完整的作品。 B、安排節奏:依據主題的意圖與思想感情的變化安排舞蹈節奏的變化。 C、舞蹈調度:舞蹈動作場面,調度必須有一個核心的全面規劃和佈局。根據情緒的起伏、發展,節奏的變化,把動作和畫面組成一個嚴謹的舞蹈結構組織。介紹幾 種“情緒舞”的結構: A、三段體結構:(A-B-A)是借鑒音樂的三部曲式而來的。全舞的佈局分爲三段,A段與B段從情緒、節奏上形成鮮明對比。如:A段是跳躍的快板,B段就 是相對平穩的中板或慢板,而A`則是A段的再現或有變化的再現。 B、二段體結構:(A-B) C、單段體:(A)(B),A:快,B:慢。由上可以看出舞蹈編導在構思舞蹈腳本時,除了情節、場次(或段落)外,同時還要想好音樂和舞蹈的處理、佈局。 如:舞蹈中哪段情節用獨舞、雙人舞去表現哪段用情節性或表演性的舞蹈去表現,每段用什麽舞蹈素材等。(三)關於舞蹈中的音樂(創作舞曲)作爲綜合性的舞蹈 藝術,音樂處在非常重要的地位,有了音樂,才有完整的好舞蹈,所以必須處理好與音樂家的合作。(1)如何與音樂家合作:編導要把自己的創作動機和意圖、構 思的過程直至素材的運用,人物形象和場面的設想,舞臺的氣氛和效果等,要非常認真的、帶感情的、繪聲繪色的告訴作曲者,使他好象看到了未來舞臺上出現的情 景,産生共同的欲望和想象,同時也聽取他對舞曲創作的想法。要尊重作曲家的意見,在音樂寫成以後,不要隨意亂改和破壞音樂的完整性。(2)編導和作曲者的 合作中: A、在舞蹈總佈局要求下,應充分發揮作曲者的想象力,保證舞蹈音樂的完整性。優秀的舞曲會進一步啓發編導的想象力,使舞蹈的形象和意境更完美。 B、可以和作曲者共同選擇音樂素材,(如採用哪種民族、哪個地區或哪首民歌、哪段曲子等),切磋音樂形象(如舞蹈的主要旋律、人物的主題、音樂等),這有 利於音樂和舞蹈形象的一致,並且互相啓發。 C、對音樂的要求,要通過音樂的專業語言——“音樂表情術語”具體提出來,才能做到舞蹈與音樂節奏的吻合。(3)如何利用現成音樂編舞: A、認真聽,分析音樂,做到盡可能明瞭原作意圖。 B、抓住音樂的主要基調(感情基調),選取適合此音樂表現的體裁,不要去解釋歌詞。 C、選擇適合此音樂主題的動作。

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« Reply #128 on: 28-05-2007, 10:02 AM »

如何编舞呢?
(一)主題和題材:什麽是主題?創作者要通過 一個舞蹈作品表達什麽中心思想,這就是作品的主題(或稱主題思想)。用具體事物、生活情景去表現這個主題思想,這種具體的材料就是“題材”。“主題”就是 作品的核心、主體。題材就是具體描寫主題的材料。在舞蹈創作中可以先確定主題,再選擇題材。
(二) 如何選擇題材: 1 什麽是題材:就是編導在他所處的客觀現實生活中,經過深入觀察體驗,把那些豐富多采錯綜複雜的種種生活現象,經過分析、選擇、加工,使它們構成文藝作品的 核心,也是作品最基本的因素。
2 選材的方式:分直接和間接兩種。直接就是發生在身邊的所見所聞所看的事和物。間接的如歷史、神話、寓言、童話、繪畫題材等。
3 舞蹈如何選材:要掌握舞蹈藝術創作的特殊規律,就是用舞蹈形象思維的方式,研究分析現實生活中的各種現象,全部依靠舞蹈的自身表現手段,既用身體動作表達 感情,特別要注意題材的動感和豐富的感情。選材時還應注意:動作性,既通常所說的“能舞起來的材料”。抒情性,題材要孕育著深厚的感情動力。直觀性,必須 是能出現在舞臺上讓觀衆直接看到或聽到的,(如過去和未來,可用暗轉、倒敍等手法)
(三) 構思腳本(舞蹈和音樂處理的文字結構),以突出主題思想爲目的,把“題材”概括、提煉,構思成舞蹈的藝術結構,這就是舞蹈的“腳本”,腳本是作品的立腳根 本。怎樣結構舞蹈腳本,這點在舞劇的創作中特別重要,從舞劇的結構說起,簡單來說,舞劇的結構可分爲:
1 引子或序幕:是劇中時代、環境和人物的引入。
2 開篇:劇情矛盾衝突的開始,要鮮明而引人入勝。
3 發展:劇情展開的過程,這段佔有的篇幅較大,情節需要有起伏、轉折方能精彩。
4 高潮:是全劇矛盾發展的頂峰,它要激起觀衆最強烈的感受。
5 結局:劇情發展的結果,它要最清楚的揭示主題思想。
三.舞蹈的結構
(一)什麽是結構:簡單說安排作品情節的方法就叫結構。結構舞蹈時,時刻不要忘記用舞蹈的表現手段去考慮,時刻不要忘記是用藝術形式的表現手段和舞蹈動作去處理人物、情節等,否則結構出來的就不是舞蹈,而是歌劇、話劇。
(二) 結構情緒舞時應注意的問題:
A、組織情緒:是把舞蹈感情和情緒有層次的、有邏輯的、有發展的組織起來,創作一個完整的作品。
B、安排節奏:依據主題的意圖與思想感情的變化安排舞蹈節奏的變化。 C、舞蹈調度:舞蹈動作場面,調度必須有一個核心的全面規劃和佈局。根據情緒的起伏、發展,節奏的變化,把動作和畫面組成一個嚴謹的舞蹈結構組織。
介紹幾 種“情緒舞”的結構: A、三段體結構:
(A-B-A)是借鑒音樂的三部曲式而來的。全舞的佈局分爲三段,A段與B段從情緒、節奏上形成鮮明對比。如:A段是跳躍的快板,B段就 是相對平穩的中板或慢板,而A`則是A段的再現或有變化的再現。
 B、二段體結構:(A-B) C、單段體:(A)(B),A:快,B:慢。由上可以看出舞蹈編導在構思舞蹈腳本時,除了情節、場次(或段落)外,同時還要想好音樂和舞蹈的處理、佈局。 如:舞蹈中哪段情節用獨舞、雙人舞去表現哪段用情節性或表演性的舞蹈去表現,每段用什麽舞蹈素材等。
(三)關於舞蹈中的音樂(創作舞曲)作爲綜合性的舞蹈 藝術,音樂處在非常重要的地位,有了音樂,才有完整的好舞蹈,所以必須處理好與音樂家的合作。
(1)如何與音樂家合作:編導要把自己的創作動機和意圖、構 思的過程直至素材的運用,人物形象和場面的設想,舞臺的氣氛和效果等,要非常認真的、帶感情的、繪聲繪色的告訴作曲者,使他好象看到了未來舞臺上出現的情 景,産生共同的欲望和想象,同時也聽取他對舞曲創作的想法。要尊重作曲家的意見,在音樂寫成以後,不要隨意亂改和破壞音樂的完整性。
(2)編導和作曲者的 合作中:
A、在舞蹈總佈局要求下,應充分發揮作曲者的想象力,保證舞蹈音樂的完整性。優秀的舞曲會進一步啓發編導的想象力,使舞蹈的形象和意境更完美。
 B、可以和作曲者共同選擇音樂素材,(如採用哪種民族、哪個地區或哪首民歌、哪段曲子等),切磋音樂形象(如舞蹈的主要旋律、人物的主題、音樂等),這有 利於音樂和舞蹈形象的一致,並且互相啓發。
 C、對音樂的要求,要通過音樂的專業語言——“音樂表情術語”具體提出來,才能做到舞蹈與音樂節奏的吻合。
(3)如何利用現成音樂編舞:
A、認真聽,分析音樂,做到盡可能明瞭原作意圖。
 B、抓住音樂的主要基調(感情基調),選取適合此音樂表現的體裁,不要去解釋歌詞。
C、選擇適合此音樂主題的動作。

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« Reply #129 on: 30-05-2007, 01:32 AM »

摩登舞蹈介紹

國際標準交誼舞,原起於英國倫敦,1924年由英國發起歐美舞蹈階人士,在廣泛研究傳統宮廷舞,交誼舞及拉美國家的各式士風舞的基礎上對此進行了規範和美 化加工,於1925年正式頒佈了華爾茲、探戈、狐步、快步四種舞的步伐,總稱摩登舞。並將此種舞蹈首先在西歐推廣並進行了比賽,繼而又推廣到世界各國,受 到了許多國家的歡迎和喜愛。1950年,英國“黑池”由英國icbd(世界舞蹈組織)主辦了首屆世界性的大賽--“blackpooldance festival1950”(黑池舞蹈節),並把規範後的舞蹈命名爲國際標準交誼舞,以後每年的五月底,在英國的“黑池”舉辦一屆世界性的大賽。隨著此種 舞蹈在世界的不斷推廣,自身也得到了發展,摩登舞中又增加了維也納華爾茲。1960年,非洲和拉美一些國家的民間舞經過了規範加工後又增加了拉丁舞的比 賽,拉丁舞也有五種舞:倫巴、恰恰恰、桑巴、牛仔、鬥牛。
摩登舞和拉丁舞風格迥異。摩登舞除了探戈外,都源於歐洲大陸,它的音樂時而激情昂揚,時而纏綿性感,動作細膩嚴謹,穿著十分講究,體現歐洲國家男士的紳士 風度和女士們的嫵媚。男士需身著燕尾服,白領結;女士則以飄逸,豔麗長裙表現出她們的華貴、美麗、高雅、閨秀之美態。拉丁舞除鬥牛舞外,都源于美洲各國, 它的音樂熱情洋溢,奔放特具節奏感。以淋漓盡致的腳法律動的引導,自由流暢,展現女性優美線條,動人入情,氣氛迷人,生動活潑,熱情奔放,充分表達了青春 歡樂的氣息,男士展現驃悍鋼強,氣勢軒昂,威武雄壯的個性美。
國際標準交誼舞作爲一項高貴優雅的運動,不但可以調適現代人忙碌的生活,舒展身心, 並且有良好的社交功能。由於她實質上代表一個國家或地區的文化和經濟水平,世界各國各地區竟相提倡,風行日盛,發展迅速。摩登舞───Ballroom/Modern
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« Reply #130 on: 07-07-2007, 03:19 PM »


蒙古族一向有“音樂民族”、“詩歌民族”之稱。蒙古民歌具有民族聲樂的獨有風格,無論是高亢嘹亮,亦或是低吟回蕩,都充分表現出蒙古族人民質樸、爽朗、熱情、豪放的性格。
                     
蒙古族是能歌善舞的民族。蒙古族舞蹈的特點是節奏明快,熱情奔放,語彙新穎,風格獨特。動作多以抖肩、翻腕來表現蒙古族姑娘歡快優美,熱情開朗的性 格。男子的舞姿造型挺拔豪邁,步伐輕捷灑脫,表現出蒙古族男性剽悍英武,剛勁有力之美。蒙古族舞蹈久負盛名,傳統的馬刀舞、鄂爾多斯、筷子、安代、布利亞 特婚祀、馴馬手、小青馬、盅碗舞等,節奏歡快、舞步輕捷,都表現出了蒙古族勞動人民純樸、熱情、精壯的健康氣質。保留節目有"筷子舞"、"馬刀舞"、"馴 馬舞"、"盅碗舞"、"擠奶員舞"、"鷹舞"、"牧民的喜悅"、"祝福""鼓舞"等。
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« Reply #131 on: 08-07-2007, 01:23 AM »

 各種藝術都有其獨特的表現工具和表現手法,如文學是語言(文字);美術(繪畫和雕塑)是色彩、線條和形體;音樂是音響、旋律和節奏,而舞蹈的表現工具主要是人的身體,其主要表現手段是人體的運動和相應的姿勢。

簡單來說,舞蹈有以下五類特性:

1. 動作

舞蹈和其他表現藝術主要的分別,在於它是主要透過美化人體動作來塑造形象,描繪人物的思想感情,表現情節事件和矛盾衝突。因此,舞蹈可說是一種人體動作的藝術。

舞蹈的動作,大致分為「表現性」、「說明性」和「裝飾性」三種:「表現性」動作,是描繪人物的感情、思想和性格特徵的動作;「說明性」動作是展示人物行動的目的和具體內容的動作;而「裝飾性」動作沒有明顯的含意,在舞蹈中起著裝飾和襯托的作用,有時也用來作為「表現性」動作和「說明性」動作相互轉換和連接的過渡動作。

2. 抒情

比起言語來,舞蹈動作較難表現清晰的思想概念和明確的方向,但表現情感卻有獨特長處,舞蹈是人在異常激動時的產物,是內心激情的「外化」;在原始民族的舞蹈中,這一屬性特別明顯。日常生活中,「喜怒哀樂懼愛惡欲」等情緒可以透過舞蹈極其鮮明、生動、具體地體現出來。

3. 節奏

節奏是基本要素,沒有節奏便沒有舞蹈,身體動作是舞蹈的主要表現手段,但並非生活中所有的動作都是舞蹈。動作透過強弱、速度快慢和能量大少的不同節奏,便能夠符合一定的運動規律,才能成為舞蹈動作。

4. 造型

這是使舞蹈動作具有美感形態的最基本條件和主要因素,因為造型本身,首要就是要求動作的構成具有美感形象,必須是經過提煉和美化,最生動、最具表現力,也就是最有典型性的動作。我們常說舞蹈應該是動的繪畫和活的雕塑,也就是說舞蹈應具有造型性的特點。

5. 綜合

在藝術發展之初,音樂、舞蹈和詩歌有不可分的親密關係,舞蹈藝術發展到今天已形成一種獨立的綜合性表演藝術,把文學、戲劇、音樂和美術等融合,增加了舞蹈的表現能力,同時也促使舞蹈向著更高的層次發展。

以上是以「正論」的方式解說「舞蹈是什麼?」。一旦明白事物的本質,便可隨著自己的意願來與別的東西 mix & match ,甚至改寫其本質變為另一個類別。舞蹈發展至今,不論是舞台上故事性的表演,還是純粹舞動身體的跳舞活動,都各有不同的風格,這便是變奏。追求舞蹈真義,只要隨著節拍舞動身體,甚至進人忘我的境界,這便是舞蹈的最基本原意。
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« Reply #132 on: 08-07-2007, 01:31 AM »

 中國舞──抒發情緒

中國舞蹈起源於文字記載以前,從中國西部青海省大通縣孫家寨出土的舞蹈紋彩陶盆觀察,早在紀元前 4000 年的新石器時代仰韶文化,先民已創造附有樂器伴奏、動作相合、連臂踏歌的集體舞蹈。

中國舞蹈的形式,在紀元前 1000 年的商周時期,曾區分為「文舞」與「武舞」兩類。「文舞」的舞者手執旄羽,象徵漁獵收穫後分配的情景,

後來逐漸演變成郊廟祭祀等宗教儀式的舞蹈;另一方面,表現大規模隊舞的「武舞」,舞者手執兵器,動作旅進旅退,它卻進化成為後世操兵演陣的雛形。總之,中國人藉着手舞足蹈的動作,表達對天地鬼神的崇敬,演練現實生活的細節,抒發彼此歡暢愉悅的情緒,又兼收自娛娛人的表演效果,這就是中國舞蹈內容的基本因素。

大集合——表現真我

把民族舞蹈、西洋古典舞蹈和現代舞蹈融匯,形成一種新的舞蹈語言,分不出哪幾個動作來自芭蕾,哪幾個片段是用現代舞,而是一種內在的結合,是為現今創作舞蹈最重要的表現手法。
萬變不離其宗,舞蹈的最基本不過是讓身體隨着節奏和音樂舞動,一切隨心而行,是為表現真我也。
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« Reply #133 on: 08-07-2007, 01:35 AM »

 現代舞——潮流形態

為現代舞下一個明確的定義是很困難的,它是一種融合時代潮流的表現形態,每個編舞家都不斷地透過自己的身體實驗與摸索,為現代舞尋找答案、現代舞是 20 世紀的產物,又稱為當代舞蹈。它的發生是隨著時代思潮下逐漸發展的舞蹈。

20 世紀初整個歐美盛行着「體育文化運動」風,追求一種自然的動作形態,當時法國的德沙特( Francois Delsarte )以及達克羅茲( Emile Jacques-Dalcraze )的理論,可以說是現代舞思潮的引發點。德沙特將人體的動作表情分成三種,頭代表理智、軀體表示情感、四肢表示慾望,他教導學生如何運用不同的姿勢表現情緒變化;而達克羅茲則利用動作來刺激學生對音樂的敏感度,將韻律轉換到動作中。

之後,在各舞蹈家各自不同的主張努力之下,現代舞的發展更加擴大,其中強調運用腹背伸縮的技巧,以及控制時間的理念,更對舞蹈界產生深遠的影響。

現代舞雖然在美國風靡,而事實上,現代舞的思潮最早在歐洲大陸萌芽,甚至影響美國早期的現代舞發展。

不過近十幾年來歐洲的現代舞也燦爛可觀,出現了一些現代舞觀念啟發的理論家,他們先後發表與肢體動作本質有關的理論,這些深入的觀點無疑帶動了現代舞的思潮,影響了美國現代舞的先驅人物,戰後隨着美國文化版圖的擴張,現代舞也登陸了歐洲表演,所引進的不只是美國現代舞的舞蹈技巧,也注入了美國舞蹈變革的精神,新一代的編舞家,不再一味學習模仿,而注重創新思維,像是運

用肯寧漢純舞蹈的技巧、結合劇場與大眾娛樂的形式精神等,產生了德國的舞蹈劇場、法國英國當代的舞蹈活動等,都有不同的光芒。
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